José Jiménez, director de la edición española de los Escritos del artista, nos descubre la importancia de los textos del creador francés
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| Marcel Duchamp como Rose Selavy |
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| Portada de los Escritos de Marcel Duchamp |
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| José Jiménez, director de la edición española de Galaxia Gutenberg. fotos.fuente:lavanguardia.com |
Marcel Duchamp transformó para siempre el mundo del
arte. El objeto no debe ser necesariamente bello, ni el resultado de un
especial talento estético. Sus piezas Rueda de una bicicleta sobre un taburete, o el urinario titulado como Fuente,
han pasado al imaginario colectivo. Más allá de la provocación y el
juego, la descodificación que utilizaba el creador sólo puede entenderse
en su plenitud si acudimos a sus Escritos, que ahora publica en español Galaxia Gutenberg. El director de la edición, José Jiménez, nos explica su concepción de la técnica y el azar, su pasión por el ajedrez, o cómo y por qué utilizó la performance.
¿Se conoce suficientemente el trabajo ensayístico de Duchamp?
No creo que se pueda hablar, en referencia a Marcel Duchamp, de "trabajo ensayístico". Propiamente, se trata de textos y escritos de artista, consideraciones sobre su propia obra y el arte y los artistas de nuestro tiempo, que, desafortunadamente, no son suficientemente conocidos.
No creo que se pueda hablar, en referencia a Marcel Duchamp, de "trabajo ensayístico". Propiamente, se trata de textos y escritos de artista, consideraciones sobre su propia obra y el arte y los artistas de nuestro tiempo, que, desafortunadamente, no son suficientemente conocidos.
¿Qué importancia tienen sus escritos para entender su obra?
La importancia de los escritos de Duchamp es central para entender y así poder disfrutar de su obra. En ella, la articulación del lenguaje y la escritura con la representación visual, igualmente central en sus propuestas, es una constante. Desde sus lecturas de la poesía post-simbolista y los juegos con el humor iniciales, a la concepción de los títulos de las obras como "un color invisible" y a la elaboración de protocolos lingüísticos, concebidos a la manera de los prospectos de uso, o manuales de instrucciones, de los dispositivos tecnológicos.
La importancia de los escritos de Duchamp es central para entender y así poder disfrutar de su obra. En ella, la articulación del lenguaje y la escritura con la representación visual, igualmente central en sus propuestas, es una constante. Desde sus lecturas de la poesía post-simbolista y los juegos con el humor iniciales, a la concepción de los títulos de las obras como "un color invisible" y a la elaboración de protocolos lingüísticos, concebidos a la manera de los prospectos de uso, o manuales de instrucciones, de los dispositivos tecnológicos.
¿Cuáles han sido sus principales retos y dificultades a la hora de revisar y anotar la extensa documentación?
En no pocas ocasiones la escritura de Duchamp presenta un carácter críptico, que se acentúa por los diversos juegos de lenguaje, especialmente las homofonías, que elabora continuamente. Traspasar los dobles sentidos de su lengua nativa, el francés, o en algunas ocasiones del inglés, al idioma español es una tarea sumamente compleja. Sin embargo, uno de los aspectos que preocupaban a Duchamp de forma verdaderamente obsesiva es la precisión, unida siempre al azar en la génesis de sus obras. Eso es lo que se ha intentado: proponer, con la máxima precisión posible, un paralelo en español de lo que sus escritos dicen y quieren decir.
En no pocas ocasiones la escritura de Duchamp presenta un carácter críptico, que se acentúa por los diversos juegos de lenguaje, especialmente las homofonías, que elabora continuamente. Traspasar los dobles sentidos de su lengua nativa, el francés, o en algunas ocasiones del inglés, al idioma español es una tarea sumamente compleja. Sin embargo, uno de los aspectos que preocupaban a Duchamp de forma verdaderamente obsesiva es la precisión, unida siempre al azar en la génesis de sus obras. Eso es lo que se ha intentado: proponer, con la máxima precisión posible, un paralelo en español de lo que sus escritos dicen y quieren decir.
Se dice que el artista supo “anticipar” algunos de los
horizontes que hoy encontramos en el arte actual. ¿Cuáles son? ¿Cuál fue
su relación con la técnica?
Duchamp fue uno de los primeros artistas en comprender en profundidad las consecuencias de la expansión de la técnica sobre todos los ámbitos de la vida y la experiencia, y de un modo particular en referencia al arte. Podemos situar en 1912 "el año 1 de la galaxia Duchamp", el momento inicial de su comprensión de que en un mundo superpoblado de imágenes la experiencia estética y el arte tendrían que resituarse en otro plano, distinto de la figuración ilusionista que había predominado en el arte europeo desde el Renacimiento. Es ese el marco en el que se inscribe su gran obra: La Novia desnudada por sus solteros, mismamente, conocida también como El Gran vidrio.
Duchamp fue uno de los primeros artistas en comprender en profundidad las consecuencias de la expansión de la técnica sobre todos los ámbitos de la vida y la experiencia, y de un modo particular en referencia al arte. Podemos situar en 1912 "el año 1 de la galaxia Duchamp", el momento inicial de su comprensión de que en un mundo superpoblado de imágenes la experiencia estética y el arte tendrían que resituarse en otro plano, distinto de la figuración ilusionista que había predominado en el arte europeo desde el Renacimiento. Es ese el marco en el que se inscribe su gran obra: La Novia desnudada por sus solteros, mismamente, conocida también como El Gran vidrio.
¿Por qué lo califica de “cuadro hilarante”?
El Gran vidrio es una síntesis de todo Duchamp, una de las obras emblemáticas del arte de nuestro tiempo. Al llamarlo “cuadro hilarante”, Duchamp alude a la síntesis de rigor pseudo-científico y humor que caracteriza tanto su fabricación como la forma en la que propone que el espectador, el público, acceda al mismo. Sobre el humor, a Duchamp le gustaba decir que él empleaba un "ironismo de afirmación", en lugar de la ironía meramente negativa, reactiva.
El Gran vidrio es una síntesis de todo Duchamp, una de las obras emblemáticas del arte de nuestro tiempo. Al llamarlo “cuadro hilarante”, Duchamp alude a la síntesis de rigor pseudo-científico y humor que caracteriza tanto su fabricación como la forma en la que propone que el espectador, el público, acceda al mismo. Sobre el humor, a Duchamp le gustaba decir que él empleaba un "ironismo de afirmación", en lugar de la ironía meramente negativa, reactiva.
Algunos de sus ready-mades han inspirado a muchos otros artistas. ¿Cómo los concibió?
Es importante señalar que Duchamp distinguió en todo momento entre los ready-mades y las obras de arte: a las suyas, le gustaba llamarlas cosas. La diferencia fundamental reside en que mientras éstas suponen lo que él llamó una "fabricación", un hacer, los ready-mades están ya hechos, no hay que fabricarlos. No obstante, al desvincular objetos e imágenes ya hechos del uso práctico al que estaban destinados, Duchamp libera su "forma", y ésta, unida a la frase o inscripción que él introduce al elegirlos, se sitúa así en un plano de relevancia estética.
Es importante señalar que Duchamp distinguió en todo momento entre los ready-mades y las obras de arte: a las suyas, le gustaba llamarlas cosas. La diferencia fundamental reside en que mientras éstas suponen lo que él llamó una "fabricación", un hacer, los ready-mades están ya hechos, no hay que fabricarlos. No obstante, al desvincular objetos e imágenes ya hechos del uso práctico al que estaban destinados, Duchamp libera su "forma", y ésta, unida a la frase o inscripción que él introduce al elegirlos, se sitúa así en un plano de relevancia estética.
¿Quién era Rrose Sélavy?
Rrose Sélavy es un desdoblamiento del propio Duchamp, su otro yo como mujer. Lo que implica una apertura en el espacio de la performance, del arte de acción, en el que el soporte de la propuesta plástica es el cuerpo y la personalidad del propio artista. En un plano conceptual, ese desdoblamiento es una crítica activa de las ideas de una identidad sustancialista: lo que somos, es una construcción y, por tanto, variable y con capas muy diversas. Todos somos muchas cosas a la vez, y según la ocasión: masculinos/femeninos, duros/tiernos, sensibles/insensibles, crueles/compasivos… Finalmente, Rrose Sélavy encierra como nombre una homofonía: en francés suena como "eros c'est la vie"; es decir: la vida es eros.
Rrose Sélavy es un desdoblamiento del propio Duchamp, su otro yo como mujer. Lo que implica una apertura en el espacio de la performance, del arte de acción, en el que el soporte de la propuesta plástica es el cuerpo y la personalidad del propio artista. En un plano conceptual, ese desdoblamiento es una crítica activa de las ideas de una identidad sustancialista: lo que somos, es una construcción y, por tanto, variable y con capas muy diversas. Todos somos muchas cosas a la vez, y según la ocasión: masculinos/femeninos, duros/tiernos, sensibles/insensibles, crueles/compasivos… Finalmente, Rrose Sélavy encierra como nombre una homofonía: en francés suena como "eros c'est la vie"; es decir: la vida es eros.
En una entrevista incluida en el volumen, el creador asegura
que existen dos clases de artistas: “los pintores profesionales” y los
“francotiradores”. ¿Cómo logró Duchamp hacerse un hueco en los
principales museos del mundo? ¿Cómo fue su relación con el mercado?
Duchamp alcanzó una gran notoriedad en Estados Unidos en 1913, cuando en la Exposición del Arsenal, en Nueva York, se presentó su obra Desnudo bajando la escalera nº 2. Sin embargo, a partir de entonces desarrolló su obra de forma casi privada, al margen de los circuitos artísticos normales. Durante casi toda su vida fue prácticamente "un marginal", a pesar del respeto que por él tenían los surrealistas, así como algunos importantes artistas y coleccionistas amigos. La comprensión de la importancia de su trabajo se abrió paso sólo muy tardíamente, en los últimos cinco años de su vida.
Duchamp alcanzó una gran notoriedad en Estados Unidos en 1913, cuando en la Exposición del Arsenal, en Nueva York, se presentó su obra Desnudo bajando la escalera nº 2. Sin embargo, a partir de entonces desarrolló su obra de forma casi privada, al margen de los circuitos artísticos normales. Durante casi toda su vida fue prácticamente "un marginal", a pesar del respeto que por él tenían los surrealistas, así como algunos importantes artistas y coleccionistas amigos. La comprensión de la importancia de su trabajo se abrió paso sólo muy tardíamente, en los últimos cinco años de su vida.
¿Qué encontraba en el ajedrez para dedicarse con tanta intensidad?
Para Duchamp, el ajedrez era una actividad intensamente estética, diferente pero muy cercana al arte. El ajedrez supone articular rigor conceptual y precisión con el azar y el juego. Como en las propuestas de sus obras artísticas, o como en su forma de concebir la ciencia, los puntos de partida, los "axiomas", que son convencionales: brotan del azar, determinan de forma necesaria los desarrollos y los resultados.
Para Duchamp, el ajedrez era una actividad intensamente estética, diferente pero muy cercana al arte. El ajedrez supone articular rigor conceptual y precisión con el azar y el juego. Como en las propuestas de sus obras artísticas, o como en su forma de concebir la ciencia, los puntos de partida, los "axiomas", que son convencionales: brotan del azar, determinan de forma necesaria los desarrollos y los resultados.
¿Hay algún caso similar de un artista en el que su obra escrita y plástica se complementen con igual importancia?
Se podrían citar muchos casos. En el marco del arte clásico, Leonardo da Vinci. Ya en nuestro tiempo, y para mencionar a artistas muy diferentes a Duchamp: Vassily Kandinsky o Paul Klee. Pienso, en todo caso, que la importancia de la escritura para el arte es sumamente relevante en nuestra época. La quiebra histórica de la mímesis tradicional, el modo de representación plástica basado en la figuración ilusionista, que suponía "un lenguaje" homogéneo para el arte europeo desde el Renacimiento, se consuma definitivamente con Las señoritas de Aviñón (1907), de Pablo Picasso. A partir de entonces, los artistas de nuestro tiempo se ven confrontados con la necesidad de estructurar, en cada caso, las pautas de sentido de su trabajo. Y para ello la escritura, la objetivación por medio del lenguaje de "lo que se quiere decir" en las obras y "cómo" resulta un elemento fundamental.
Se podrían citar muchos casos. En el marco del arte clásico, Leonardo da Vinci. Ya en nuestro tiempo, y para mencionar a artistas muy diferentes a Duchamp: Vassily Kandinsky o Paul Klee. Pienso, en todo caso, que la importancia de la escritura para el arte es sumamente relevante en nuestra época. La quiebra histórica de la mímesis tradicional, el modo de representación plástica basado en la figuración ilusionista, que suponía "un lenguaje" homogéneo para el arte europeo desde el Renacimiento, se consuma definitivamente con Las señoritas de Aviñón (1907), de Pablo Picasso. A partir de entonces, los artistas de nuestro tiempo se ven confrontados con la necesidad de estructurar, en cada caso, las pautas de sentido de su trabajo. Y para ello la escritura, la objetivación por medio del lenguaje de "lo que se quiere decir" en las obras y "cómo" resulta un elemento fundamental.
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